12 kõigi aegade originaalsemat filmi

Kinoajaloo tervikus on paljud legendaarsed filmitegijad sillutanud teed tulevastele jutuvestjatele. Nad murdsid vormi ja katsetasid oma loo jutustamiseks ebatradoksa tehnikaid. Nad vaidlustasid sageli status quo ja tõid revolutsiooni kinos. Need on ainulaadsed filmid, mis julgesid olla filmide teatud aspektide eestvedaja. Siin on loetelu kõige leidlikumatest, fantaasiarikkamatest ja loomingulisematest filmidest. Mõnda neist loominguliste ideedega täidetud filmidest saate vaadata Netflixist, Hulust või Amazon Prime'ist.

12. Hardcore Henry (2015)



Sellest ajast peale, kui lugesin esimest raamatut, mis kirjutati esimeses isikus, mõtlesin, kas seda saaks filmidesse tõlkida. Kui filmid haaravad ainsuse perspektiivi, mis tavaliselt järgneb ühele tegelasele, ei olnud need kunagi peategelase vaatenurgast. Režissööri ja operaatorite arvamused kaamera paigutamise kohta tekitasid filmides määrdumisi, et tekitada emotsioone lähivõtete või väikese nurga või suure nurga all tehtud kaadrite abil. Üks film tegi 2015. aastal jälje, ehkki sõna otseses mõttes peategelase kingadesse astumise eest. Pärast täielikult POV-is tehtud YouTube'i video pealkirjaga „Bad Motherfucker” edu tegi režissöör selle täispika filmi. See toodeti osaliselt rahvahulga kaudu, mis on omaette vaatamisväärsus. Kuigi see lugu on vaid ulmeline tegevus, on kõige olulisem see, et film on täielikult filmitud esimese inimese vaatenurgast ja on veendunud oma filmiseadmesse kinni pidades, muutes selle ainulaadseks kogemuseks. VR-i tulekuga võime seda tüüpi filme varsti näha.



11. Maetud (2010)

On olnud mõnda filmi, millel oli üks tegelane, ja on olnud ka selliseid, mis toimuvad reaalajas või ühes kohas. Kuid ‘maetud’ jõuab teha kõike seda ja muud huvitavasse filmi. Filmis on näha, kuidas Ameerika veoautojuht ärkab elusana maetuna keset kõrbe sõja räsitud Iraagis. Kui filmidel nagu Locke on ka peamiselt üks näitleja, on nende ohutunne palju väiksem kui filmis „Buried”. Kogu film toimub telefoni ja tulemasinaga puidust kirstu äärmiselt klaustrofoobses interjööris. Lugu räägib sõja tegelikkusest ja selle mõjust inimestele ning ellujäämistahust, kuid film lasub ainsa lihas nähtava näitleja õlul; Ryan Reynolds. Ühes oma parimas etenduses kannab ta filmi läbi oma pettumuse ja väljendusviiside. Tuletuli valgustatud pimeduseväli väljaspool kirstu on kummitavalt ilus. Film on väga riskantne, kui üks näitleja teeb suurema osa raskest tööst, kuid see tasub end ära.



10. Kohanemine (2002)

Nii et ‘Kohanemise’ lugu läheb niimoodi; see oli aasta 1999 ja stsenarist Charlie Kaufman oli allkirjastatud filmi „Orhideevaras” kohandamiseks, kuid ta oli pettunud kirjaniku blokis, kuna ta ei teadnud, mida raamatust arvata. Lõpuks kirjutas ta geeniuse löögi asemel hoopis stsenaariumi, mis põhines tema enda raamatu kohandamise kogemustel, lisades tegelikke fakte ilukirjandusliku nukuga. Kuigi filmi arve on „Orhideevargi” töötlus, on selle peamine narratiivne fookus Kaufmani võitlus raamatu kohandamiseks filmiks, dramatiseerides paralleelselt raamatu sündmusi. Ainuüksi sellest geniaalsest enesereferentsiaalsest ja metacinematical-süžeejoonest piisaks, et filmile siin koht anda, kuid režissöör Spike Jonze originaalne ja naljakas esitus ning suurepärased etendused kõikjal muudavad selle otse eelviimasele kohale.

9. Linnumees (2014)



Toores energiast pakatav ja pakatav ‘Birdman’ mängib filmitegemise kunstiga ringi ja annab sellele uue mõõtme. See üllatab, väljakutseid ja pimestab; mõnikord kõik korraga. See on lõbus, virgutav ja kogemus, mida te suure tõenäosusega poleks kunagi kinodes saanud. Asi pole selles, et ühte võtet poleks varem proovitud, kuid ‘Birdman’ - koos Emmanuel Lubezkiga kaamera eesotsas - viib selle teisele tasemele ja tõmbab selle hämmastavate tulemustega välja.

8. Vene ark (2002)

Paljud suurepärased režissöörid on kuulsat kauamängu (aka Oner) suurepäraselt kasutanud filmides „Kurja puudutus”, „Köis”, „Lepitus”, „Inimeste lapsed” ja nii mõneski muus. See, mida „Vene ark” saavutab, on peaaegu uskumatu saavutus. See koondab riigi sajanditepikkuse ajaloo, ületades aega ühe reaalajas võtte abil. Kaamera jälgib tähemärki, mida krediteeritakse kui 'Võõrast', kui ta liigub üle Ermitaaži, kui ta kohtub erinevate ajalooliste isikutega. Ligi poolteist tundi pikk on see tunnistus filmitegijate tahtest kunsti ja antud juhul ka ajaloo nimel ka kõige raskemaid asju realiseerida. Tänu suurepärasele lavakujundusele ja etendustele koos hiilgava blokeerimisega on „Vene ark“ üks ilusamaid filme, mis kunagi tehtud, kusjuures iga kaader on sama ilus kui maal.

7. Blair Witchi projekt (1999)

Vähe filme ei saa öelda, et nad tegid terve filmižanri. ‘Blair Witch Project’ tegi seda aga täpselt. Kõik enne seda tehtud õudusfilmid olid tavaliselt inimesi jälitanud üleloomulikud olendid ja suurem osa ehmatusest tuli pigem hüppehirmudest kui jutuvestmisest. Tänu tavainimeste käsikaamera uue tehnoloogia arengule muutus see film “leitud filmimaterjali” filmide žanriks. See kasutas hiilgavaid efekte väga väikese eelarvega ja tõi kaasa terrorismi, kuna ei näidanud rohkem kui tegi. Nii sai filmi teha väga väikese eelarvega, kuid see tasus end kõigi aegade parimaks õudusfilmiks. Samuti taaselustas see õudusklippe ja sillutas teed sellistele filmidele nagu „Paranormaalne tegevus”, mis jõudsalt õitses leitud filmimaterjalide tropis. Kahe aastakümne jooksul on paljud filmid inspireeritud sellest, et see laenab natuke isegi väriseva kaamera tehnikat, mida kasutatakse suurtes eelarvefilmides.

6. Poisipõlv (2014)

Richard Linklateri kogu filmograafia koosneb väga loomingulistest ja ebatraditsioonilistest stsenaariumidest alates kõnelemise ja jutuajamisest enne triloogiat kuni ainulaadse võlujõuni „Ärritatud ja segaduses” ning psühhedeelse elukommentaarini, mis on „Ärkvel olev elu”. Kuid kõige rohkem hinnatakse teda meistriteosena, mis on poisipõlv. Ausalt öeldes lihtne, kuid petlikult hullumeelne idee tulistada näitlejaid nii, nagu nad päriselus kasvasid, on kõige pakutavam idee. Esmapilgul lükkasid paljud publikuliikmed selle trikkina tagasi, kuid kui filmi näevad, saavad nad hinnata selle meisterlikkust tegelikkuse kujutamise üle. Kasutatav seade sulandub filmi loo ja vaimu sisse. Asjaolu, et ta ei saanud vajadusel ühtegi filmi osa uuesti üles võtta, muudab selle hirmutavaks ülesandeks, kuid see täidetakse täiuslikult. Ehkki tegemist on uudse kontseptsiooniga, mis mõjutab teadmatult filme aastakümneid, on kontseptsiooni aktualiseerimise raskus kindel, et mitte palju ei püüta järgida tema jälgi, hoides poisipõlve omas liigas.

5. 400 lööki (1959)

Kuigi pole ühtegi filmi, mis oleks Prantsuse uue kinoalaine käima lükanud, on ‘400 lööki’ vist sama hea oletus. See on lugu 14-aastasest poisist, kes võitleb karmi koduga ja satub koolis igasugustesse raskustesse. Seda kõike näidatakse väga uuel viisil, kasutades hüppelõikeid ja muid tehnikaid, et vaatajad mõistaksid, et nad vaatavad filmi. Prantsuse uus laine võiUus laineoli liikumise eestvedajaks suured Prantsuse filmitegijad nagu Jean-Luc Godard ja Francois Truffaut. Nad andsid filmidele identiteedi kui kaamera abil tehtud kunstiliigi. Nad leppisid kaamera olemasoluga ja rikkusid reegleid, mille vana Hollywood oli kehtestanud. Nende kunstiteosed võimaldasid Stanley Kubricku, Martin Scorsese, Stephen Spielbergi ja enamiku legendaarsete filmitegijate autorikino pärast 60. aastaid.

4. Memento (2000)

Nolani karjääri krooniks on laialdaselt peetud ‘Memento’ meistriteos. Üsna paljud filmid olid katsetanud kogu filmi ajas edasi-tagasi liikumist, kuid vennad Nolanid lõid stsenaariumi, mis esitati põhimõtteliselt vastupidiselt. Filmi sära ei peitu selles. Filmi ebausaldusväärne jutustamine lükkab pea peale filmide põhivalemi. Enamik filme on nende vastavate tegelaste rännakud, kuna need muutuvad või muutuvad toimuvate olude tõttu. Kuid peategelase mälukaotuse tõttu pole tal ruumi muutuda, kui ta taastub iga 15 minuti tagant samasse olekusse. Ja see on tahtlik samm. Kuna meie tegelane ei saa muutuda, muutub ettekujutus tegelasest algusest lõpuni radikaalselt. Iga ajas tagasi kerimine selgitab meile (aga mitte tegelasele), mis enne toimus. See on sügavalt kihiline film, mis kasutab ära meie ootusi, et kogu filmi jooksul meie vaatenurka drastiliselt muuta.

3. Dr Strangelove (1964)

Satiirilisi teoseid on olnud kõigis kunstiliikides alates aastast 1984 kuni tema, kuid Dr. Strangelove ’on parim näide kunsti reaalsuse omandamisest. See järgneb sündmustele pärast seda, kui kõrge sõjaväeametnik alustab meeletult tuumarünnakut. Stanley Kubrick teeb sellest tumeda huumori õpikunäite nii tõsises keskkonnas, kui see olla saab. Kuid naeruväärsed tegelased ja kogu olukorra absurdsus teevad sellest väga huvitava filmi, mida kogeda. See võib eriti sobida praeguse poliitilise stsenaariumiga kogu maailmas. Seda võib mõista ka kui kriitikat selle kohta, kuidas vähestel inimestel võib olla võim inimkonna suundumust muuta ja kuidas nende alluvatel, kes tegelikult käske täidavad, pole selles küsimuses sõnaõigust, nagu avalikkusel pole pealtnäha sõnaõigust rahvusvahelises küsimustes, mis neid igapäevaselt mõjutavad. Iga kord, kui filmi vaatate, õpite tõenäoliselt midagi uut. Ja hindate ka Kubricku geeniust.

2. Mänguasja lugu (1995)

Animatsioon on olnud kino nurgakivi juba aastakümneid. Kuid nende valmistamine oli alati väga aeganõudev ja iga kaadri renderdamine võttis palju kunstnikke. Üks leiutis tõi animafilmitööstuse filmide esiplaanile ja populaarse kultuuri põhiosa. Pixari “Mänguasjajutt” oli esimene täispikk film, mis valmis täielikult arvutitehnoloogiat kasutades. Tähtede osatäitja, meeldivate tegelaste ja lihtsa, kuid samas efektse looga tegi see filmimeres tohutult loksuma. Stuudio, mille asutas visionäär; Steve Jobs ja John Lasseter juhtisid, et animatsioon oleks täpne. Iga kaader nägi välja realistlik, kuid piisavalt animeeritud, et jääda Uncanny-orust eemale. Kunsti ja tehnika tasakaal ühendati, et tuua meile suurepäraseid animafilme, mis ületasid vanuse ja soo. Samuti avaldas see tohutut mõju CGI-tehnoloogiale, mida kasutada live-action filmides. Ainus negatiivne külg oli vanade aegade käsitsi valmistatud animatsiooni järkjärguline kuivamine, kuid see kinnistas animatsiooni filmide põhitähena ja tõi Oscaris isegi animafilmide eraldi kategooria.

1. Kodanik Kane (1941)

See on film, mis on tavaline kõigi aegade parimate filmide nimekirjades. See on viinud selleni, et mõned kaasaegsed publikuliikmed nimetasid seda ülehinnatud ja hüpoteeritud filmiks. Aga kui nad filmi terava pilguga näevad, näevad nad filmi ülevust. Orson Welles õppis aastaid filme ning laenas, laiendas ja leiutas viise filmi kaudu loo jutustamiseks. Lugu ise on üks seoseid, mis kaasnevad edukuse ja süütuse tähtsusega. Kuid film kujundas filme veel sajandeid. Sellega kehtestati raamimise ja tähelepanu juhtimise reeglid, millest on sellest ajast alates saanud kino põhiosa. Ta kasutas tähelepanu juhtimiseks suurust ja liikumist sügavas fookuses, näidates samal ajal laia pilti, lastes vaatajal valida ja valida, mida nad näha tahavad. Eriti see film on inspireerinud paljusid filmitegijaid lugude jutustamiseks kunstivormi kasutama. Alahinnatud on öelda, et see on kõige mõjukam film. See on klassika loominguliseks, leidlikuks, kunstiliseks ja innovaatiliseks. See on tõesti üks parimaid filme, mis kunagi tehtud.

Copyright © Kõik Õigused Kaitstud | thetwilightmovie.com